演奏技巧范文10篇

【摘要】在鋼琴的教學中，演奏技巧是十分重要的一個方面。作為鋼琴教學的構成部分，掌握鋼琴演奏技巧，可以幫助學生形成正確的演奏習慣、熟練演奏鋼琴曲目、領悟鋼琴彈奏的精髓，增強學生的音樂表達能力。在鋼琴教學中，注重鋼琴的演奏技巧，能夠有效培養學生正確的彈奏習慣，提高鋼琴教學的質量。

【關鍵詞】鋼琴教學；演奏技巧；彈奏方法

在鋼琴的教學中，鋼琴演奏技巧的運用有助于學生快速掌握鋼琴彈奏技法，培養學生正確的彈奏習慣，提高鋼琴教學的質量。同時，學生熟練運用鋼琴演奏技巧有助于學生熟練彈奏樂曲，在彈奏中領悟到樂曲的精髓，提高學生的審美能力和音樂鑒賞能力。

一、演奏技巧在鋼琴教學中的重要性

(一)鋼琴演奏技巧。鋼琴演奏技巧包含觸鍵、演奏姿勢、力度、節奏等。其中觸鍵在這些演奏技巧中最為重要，它對音色的影響也是最大的。觸鍵的技巧主要有連奏法、斷奏法、琶音、24個大小調音階、遠距離大跳、雙音顫音、和弦等，這些演奏技巧通常分為三個階段進行教學。第一階段，身體放松訓練。鋼琴的演奏在身體放縱狀態下，彈奏出的作品才會更具有活力和感染力。因此，身體放松訓練在鋼琴教學中是第一步。在這一階段，教師要指導學生采用正確的身姿和手型，鍛煉學生手指指尖的敏感度、手指的獨立性以及手指與手指之間的配合度。第二階段，不同演奏技巧的專項反復訓練。在這一階段，教師要組織學生練習踏板訓練、彈奏力度訓練、節奏、分句等專項練習，讓學生在這些大量的專項練習中掌握不同的觸鍵方式，掌握不同曲目的彈奏方式，把握在演奏中指尖與琴鍵的關系。第三階段，聽覺和音感的訓練。首先教師要指導學生去感受鋼琴演奏中的自由和嚴格限制之間的節奏關系，訓練學生的節奏感，通過指尖的技巧去體現節奏的律動。(二)演奏技巧訓練在鋼琴教學中的重要作用。演奏技巧的訓練是提高鋼琴演奏能力的必經之路。有了嫻熟的演奏技巧作為支撐，才能夠將優美的鋼琴旋律通過指尖表達出來；通過嫻熟的演奏技巧，才能使得鋼琴的演奏具有情感，富有感染力。在鋼琴的教學中，教師要根據學生的情況來針對性地制定學習計劃和學習目標，要讓學生認識到演奏技巧的掌握對鋼琴學習的重要性。演奏技巧的教學主要從以下幾個方面進行：1.基礎彈奏技巧的訓練。鋼琴彈奏的方式主要有跳音奏法、非連音奏法、連音奏法。學生的鋼琴彈奏水平由彈奏技巧決定，教會學生使用正確的彈奏方法可以有效提高鋼琴教學的教學質量。教師在對學生演奏技巧的教學上，要注意鍛煉學生五個手指的獨立性，避免在彈奏過程中，上一個音鍵還未沒有放開，就開始下一個音鍵的彈奏。針對這個問題，教師應從訓練學生手指獨立性和調節彈奏力量訓練入手，讓學生掌握彈奏過程中的力量轉移。教師要教會學生運用手臂的力量去控制手指之間的移動，在掌握彈奏技巧的基礎上，根據鋼琴的音色變化，一個音彈奏完后，先運用手臂控制手指鍵底保持輕微的重量，再過渡到下一音色；在非連音彈奏中，教師需要教學生掌握好手臂、手指、指段的位置和姿勢的運用技巧，根據非連音彈奏的發力點，不斷練習；在跳音演奏技巧方面，音色的不同對彈奏要求也不同，教師要教會學生根據實際音色需求，靈活應用手臂、手腕、手指等部位的力量將跳音彈奏出來。2.音階彈奏方法的訓練。如果手指、手臂姿勢的訓練是基本功，那么音階的彈奏則是鋼琴彈奏技巧教學的核心。有質感的音階表達可以使彈奏的樂曲更加順暢并富有情感。在音階彈奏訓練中，教師要注意鍛煉學生彈奏樂曲的連貫性，讓上、下行彈奏切斷保持自然和緊密。在鋼琴彈奏的指法中，拇指較其他四指更加靈活，能夠進行四個方位的活動。因此，在進行大串音樂彈奏時，拇指彈奏結束后，食指彈奏下一個節拍時，拇指應該做好彈奏下一鍵的準備，把拇指繞到食指后面，這樣彈奏出來的樂曲會更加的自然、平穩。針對這些演奏技巧教師應該引導學生進行重復訓練，讓學生養成彈奏習慣。3.樂感與節奏感的培養。鋼琴的彈奏中，樂感和節奏感的培養意義重大。節奏感的培養，需要教師引導學生在鋼琴學習中養成數拍子的習慣。教學中，教師可以運用節拍器，鍛煉學生在鋼琴樂曲彈奏中對節奏感的體會，在長期的鍛煉中，大部分學生可以形成良好的節奏感。音樂感的培養，則需要教師引導學生能夠清楚地認識樂曲的節奏、拍子，在彈奏中，使彈奏速度與拍子保持一致，用心有感情地進行樂曲的彈奏。

二、演奏技巧在鋼琴教學中的應用

近一個世紀以來,在嚴肅音樂領域中,出現了大量具有現代派意識的專業二胡作品,并且在此類作品中二胡演奏技巧也開始獲得多重性的發展。期間整理出版的古典樂曲、傳統樂曲、創作樂曲、移植樂曲及國外名曲層出不窮,受到群眾的愛戴和親睞。新世紀中國二胡藝術的當下發展也一直是民族音樂學家、民樂作曲家和二胡專家共同關注的話題。

1繼承傳統,以本為源二胡演奏技巧在20世紀的發展,大致可分為四個階段:

(1)20年代至40年代;(2)50年代至60年代初;

(3)60年代后期至70年代末;

(4)80年代至世紀末。

20世紀初,周少梅在發展二胡演奏藝術諸方面作出了開創性的貢獻。“周少梅三把頭胡琴”的名稱,來源于他敢于在二胡上突破舊時手指限于在上把位活動的傳統,創新運用了手指在上、中、下三個把位內換把的演奏技法。國樂大師劉天華將二胡演奏引入高等專業教育,正式確立二胡為獨奏樂器,并創作了《月夜》、《閑居吟》、《光明行》等十大二胡名曲和47首二胡練習曲。

任何高水準的藝術演奏都是“音”與“情”的完美融合，“音”是演奏技術的外在體現，而“情”則是對作品內在情感意境的真切把握，二者如同人體的骨架與血肉，相互依存、互為基礎。與其他任何的藝術演奏一樣，二胡演奏同樣是由“音”與“情”的高度結合來體現藝術的審美情感的。當前，在部分青年二胡學習者中存在一種不正確的傾向，即過分偏重對技術難度的追求，而忽視了對音樂內在情感把握，二胡的藝術表現魅力與他們的技術不成正比。縱觀海內外的優秀二胡演奏家，他們無不重視二胡演奏中技術與情感的高度統一，以達到揭示作品思想內涵、提升二胡演奏藝術魅力的目的。

一、嫻熟過硬的演奏技術是完成二胡藝術演奏的前提

1.嫻熟的演奏技術是成功完成作品演奏的基礎二胡演奏離不開對音準、揉弦、換把及各種弓法技巧的準確掌握，但二胡演奏的每一種技巧都不是孤立地存在的，各種技巧在演奏中應根據作品的需要，有機地結合，才能準確生動地表現音樂內容。如：《病中吟》《閑居吟》《光明行》等樂曲的演奏中需要有大量的顫音、滑音、頓弓、顫弓等技巧，我們在實際演奏過程中一定要認真研究他們的分寸，比如顫音的輕重快慢、滑音的不同方式及不同音程、頓弓及顫弓的雙手配合分寸、左指觸弦面的大小等，使相同技巧在不同樂曲及不同情緒中合理地變化，恰如其分地表現作品的內涵。

2.先進的演奏技術是提升二胡藝術表現力的前提現代二胡學派的創始人劉天華先生十分重視二胡演奏技術的創新，如：《光明行》中的轉調及大段的顫弓、《獨弦操》中的一弦格、《空山鳥語》中的左手輪指及模擬鳥鳴的滑音等在二胡上都是首次被運用。這種創新對于當時技巧貧乏、表現力低下的二胡演奏來說，無疑是一次大大的革命，對現代二胡演奏藝術的發展的起了開拓性的作用。建國以后，二胡的演奏技術得到了極大的發展。劉文金創作的《豫北敘事曲》《三門峽暢想曲》率先將快速跳把、自然跳弓、頻繁的轉調等二胡的高難技巧應用于演奏之中；陳耀星創作的《戰馬奔騰》中模仿馬蹄聲的大擊弓、模仿人喊馬嘶的半音階模進以及模仿駿馬嘶鳴的雙弦顫指和飛弓等新技法等極大地提高了二胡藝術表現力。

3.多變的演奏手法是提高二胡藝術感染力的保障以弓法為例，在實際演奏中，演奏者可以將相同的弓法通過細微的變化，使不同情緒、不同風格的旋律表現的更加充分、更加準確。如顫弓：《二泉映月》中的顫弓旋律既要表現微波蕩漾的意境，又要刻畫出作者內心深處的不平靜。因此，開始用快頻率和小幅度的顫動，運弓部位靠近弓尖，這樣演奏出的顫弓音色細膩，隨著旋律的漸強再逐漸加大運弓范圍，同時配合配合旋律適當突出音頭，這種隨音樂的起伏而變化的顫弓才能比較準確地表現作者借景抒情的心情。而《三門峽暢想曲》中的顫弓旋律則要表現強烈激昂的情緒，因此在漸強旋律的推動下，一開始就要使用大幅度、快頻率的運弓，以加強樂曲的藝術表現力。

二、真切到位的情感意境是提升二胡藝術魅力的保障

在眾多的樂器中，小提琴以其優雅的造型、極具魅力的音色、豐富多彩的表現手段以及演奏難度極大，被冠以“樂器皇后”的美稱。很多初學者認為小提琴難就難在拉不準，拉不快，或者是快而不清楚，無法掌握高難度演奏技巧，而多忽略了小提琴的另一個演奏難點，即如何發出優美的，具有藝術表現力和感染力的音色。那么，如何才能發出這種聲音呢？這就是本文所要論述的重點。

一、建立正確的音色概念

要想獲得正確的發音，首先就要建立正確的音色概念。音色可以分為差的、好的（正確的）、有藝術表現力的。而我們的最終理想就是要發出有藝術表現力的音色。這三個層次的音色既是不同的概念，又密切相關，后者是前者的更高層次。差的音色是指：初學者由于各方面都還不夠協調，而發出粗燥或虛浮的聲音。正確的音色指：讓琴弦充分振動，發出穿透力強的聲音，這種聲音泛音多，明亮而有寬度，純凈而不粗燥，是一種圓潤的、美的聲音。

關于音色，首先要培養正確音色的辨別能力。著名的匈牙利小提琴教育家卡爾·弗萊什說過：音色的調配永遠應該是樂曲解釋在音“詩”的不同內容啟發下，內心自然產生的一種強烈的需要的結果。學生運用正確的方法反復練習，能拉出好的音色。但這種聲音的藝術表現力還不夠，還無法根據不同的作品風格、不同的曲情樂意和演奏者的個人感受及獨特的個人風格而變化。

二、怎樣演奏出正確的音色

在音色訓練的最初階段，首先應使學生認識演奏中最常用的基本音色，并掌握控制這種聲音的能力。接下來應該對兩極音色有所認識和掌握，即極端緊張和極端松弛的音色。極端音色運用的范圍不是很廣泛，但其運弓難度都非常大，對它們的專項訓練可以非常奏效地提高音色控制能力?？偟膩碚f，好的音色取決于技術方面和情感方面。下面就這兩個方面進行探討：

一、樂章演奏分析

奏鳴曲第一樂章的形式非常獨特，而且幻想的意境用非常巧妙的形式表現出來。暴風雨來臨前的激動心情逐漸地展開，每個層次的進展與沖突都非常清新、風趣，主題以d小調的屬音開始，兼有緩板和琶音，以最后一個a音起開始數拍子。廣板充滿沉思、懇求、召喚秘藏在心中的感覺，慢板深刻而且不安定。從快板開始踩踏板，逐漸增強，造成一種激動的氣氛。在這里旋律音給人感覺像是堅定的命令，雄壯又單純而且如雷鳴般。41小節副主題在a小調上出現，這個樂句很活躍，充滿了激動。第55小節起和弦一定要彈得堅強有力并且充滿英雄般的氣魄。69小節起左手八分音符的經過句，從弱音開始之后漸強，到75小節激動起來，這個發展過程一定要演繹出來。從97小節開始的展開部是呈式部的繼續和發展，旋律有特別形象的對比性和沖突，它加強了主題的戲劇性，因此成為全樂章高潮的中心部分。從147小節開始的再現部是展開部的發展，它慢慢地向優美的歌唱發展，將主題歌唱化，使人欣賞時有一種新的效果。最后的1O小節使用踏板，好像是從遠處響起的雷鳴，然后逐漸地慢下來，漸漸地遠去，給人留下的是一種悲哀和深刻的印象。

第二樂章非常浪漫，每個音符都充滿了詩情畫意，能將人帶入音樂的世界里，盡情敘述的音樂，可以使人聯想起暴風雨過后的那種寧靜以及對人生和大自然的種種幻想。在第一樂章里心情是激動和復雜的，而在此卻是莊嚴、安靜、幸福的沉思，不受干擾地體驗周圍世界，并享受其中的樂趣。樂章的另一個特點是；主題在高音域頻繁地結束，這在慢板樂章比較少見，這種手法的確體現出一種深切的感情。第31小節開始出現感人的、簡樸的旋律也就是F大調的副主題出現了，到了43小節是再現部，這里和聲比較豐富，演繹上與呈示部彈法一樣。第51小節的左手分散和弦不可干擾到主題。盡可輕而柔地演奏，節奏一定要準確無誤。第55小節起至“f”之前的分散和弦是漸強與漸快速度到此為止是真正的徐緩樂章，其內容很有深度，旋律非常豐富，同時為了使和弦的音響更具效果，應很好地使用踏板。

第三樂章是奏鳴曲式。這個末樂章是快板，是非常優美的終曲，由連綿不斷的快速16分音符組成。自始至終充滿了溫柔與愛的性質，這樂章的美是一種“虛幻無?！钡拿?，它展示出貝多芬所追求的夢的世界。第三樂章無論在伴奏音型里或是在主導旋律中，都有連綿不斷的16分音符的律動性進行，表達出優美的明暗變化，舒展出精彩的鋼琴獨奏技巧。它的節奏十分嚴格統一，力度變化非常詳盡細致。必須控制并掌握好每一層次在力度、音色、樂句起伏等方面的細微變化，否則這個樂章就很容易顯得單調。樂章的主題由一個弱起小節開始，所以大拇指上的音不可太重，這一句要彈得溫柔。右手每句的結尾8分音符斷音時好像是要離開鍵一樣的輕輕結束就可以了，也就是句尾結合演奏方法來收。左手盡可能地圓滑演奏，整齊流暢的音要讓人聽起來有“馬蹄嘀嗒聲”的感覺。24小節半音的速度要十分準確，不能任意增加速度。3O小節起是連接段，49小節的弱奏要特別演示出來。55小節的8度，須單獨練習，是手臂保持松弛和自然狀態，盡量用手腕彈奏。81小節的左手很重要，聲部的進行需要突出。83小節分解的八度也是旋律。91小節左手的和弦要飽滿而且干脆，慢慢進入展開部。龐大的展開部巧妙地運用明暗色彩層次，這些色彩的豐富是通過變換調性來達到的。貝多芬為了不使它單調，運用各種方法，使樂曲在16分符運動之間，都能吸引聽眾的注意力。演奏時的狀態也非常重要，用心去聽自己所彈出的每個音，是否經過了思考，使感情的狀態進入到音樂中。像95至98小節可以想象成是木管，長笛和單簧管的獨奏部分。118小節主導的聲部轉移到了右手上，因此要清楚地聽見這個變化。第215小節是再現部的開始，在這里貝多芬也運用了離調等復雜方法，但在演奏上的重點與呈示部基本相同。從323小節尾聲，彈奏時要使緊張度逐漸提高，每一個“sf”要漸強。381小節以后的三小節之間，要充分的把減七和弦的效果彈出來，使樂曲產生出緊張感。最后要用弱奏結束全曲。這樣的結尾不容易處理，需全身心地控制，每個音要均勻，而且節奏不變，不做漸慢，要讓它自然地靜悄悄消失。由于奏鳴曲曲式的嚴謹性，我們要學會發現每個樂句的技術特點與音樂相結合。

二、啟示

《暴風雨》的演奏速度與技巧，內容與形式可以說是無懈可擊的，他的演奏理論與實踐留給我們許多有益啟示。（1）總的原則，獨奏音樂(以及以弦樂四重奏為代表的室內樂)應該比大型合奏音樂(如交響曲等)在節奏處理上享有更大的自由，這一點對于古典時期的音樂非常重要。（2）不能機械地理解速度標記，因為它可能只對樂曲最前的幾個小節有效。貝多芬的速度標記往往指的是該樂章中最快的片刻，意思是不要超過這個速度極限(如果是這樣，那么作品106中貌似奇怪的速度標記就是完全正確的)。（3）貝多芬明確要求，一次夠格的獨奏表演，應該在節奏步履上有復雜而微妙的變化調整。確實，只有這樣，音樂在時間中的真實行進才會獲得生氣和生機。從某種意義上說，這種局部的節奏彈性伸縮是否自如，是否豐富，是否妥貼，是一位演奏家是否具備“樂感”、某次演奏是否具有藝術質量的一個關鍵性指標。（4）貝多芬同時也非常明確，上述的節奏與速度調整不能過分，“僅僅只被最敏感的耳朵察覺”。羅森深刻地指出，“貝多芬希望，無論步履節奏出于表情的驅動如何變化，而且，更為重要的是，理解速度的變化，必須始終要將其置于一個大范圍的、控制性的節奏觀念之下?！?/p>

[論文關鍵詞]《暴風雨》演奏分析技術性速度與技巧

[論文摘要]貝多芬的藝術氣質在他的鋼琴奏鳴曲中得到升華與表現，特別是在奏鳴曲《暴風雨》中，演奏的技術性與音樂性、內容與形式的完美結合，標志著貝多芬一生音樂成就的高峰，他的演奏速度與技巧留給我們許多有益的啟示。

貝多芬是偉大的音樂家，他的藝術氣質在他的鋼琴奏鳴曲中得到升華。在奏鳴曲的演奏中，只有做到技術性與音樂性的結合，才能使內容和形式達到無比和諧，真正演繹出藝術的靈魂?！侗╋L雨》奏鳴曲是貝多芬在音樂中直接表達思想的最突出的例證之一。羅曼•羅蘭非常準確地把這首奏鳴曲的形象與貝多芬一生轉折階段相聯系，它所表現出的熱情確實達到了暴風雨的程度?！氨╋L雨”奏鳴曲在速度、節奏和主題處理上也用了一些新鮮的手法，琶音的形式運用較多，基本貫穿在奏鳴曲各個樂章之中。在《暴風雨》的演奏中，奏鳴曲的技術性與音樂性真正做到了最完美的結合。

一、樂章演奏分析

奏鳴曲第一樂章的形式非常獨特，而且幻想的意境用非常巧妙的形式表現出來。暴風雨來臨前的激動心情逐漸地展開，每個層次的進展與沖突都非常清新、風趣，主題以d小調的屬音開始，兼有緩板和琶音，以最后一個a音起開始數拍子。廣板充滿沉思、懇求、召喚秘藏在心中的感覺，慢板深刻而且不安定。從快板開始踩踏板，逐漸增強，造成一種激動的氣氛。在這里旋律音給人感覺像是堅定的命令，雄壯又單純而且如雷鳴般。41小節副主題在a小調上出現，這個樂句很活躍，充滿了激動。第55小節起和弦一定要彈得堅強有力并且充滿英雄般的氣魄。69小節起左手八分音符的經過句，從弱音開始之后漸強，到75小節激動起來，這個發展過程一定要演繹出來。從97小節開始的展開部是呈式部的繼續和發展，旋律有特別形象的對比性和沖突，它加強了主題的戲劇性，因此成為全樂章高潮的中心部分。從147小節開始的再現部是展開部的發展，它慢慢地向優美的歌唱發展，將主題歌唱化，使人欣賞時有一種新的效果。最后的1O小節使用踏板，好像是從遠處響起的雷鳴，然后逐漸地慢下來，漸漸地遠去，給人留下的是一種悲哀和深刻的印象。

第二樂章非常浪漫，每個音符都充滿了詩情畫意，能將人帶入音樂的世界里，盡情敘述的音樂，可以使人聯想起暴風雨過后的那種寧靜以及對人生和大自然的種種幻想。在第一樂章里心情是激動和復雜的，而在此卻是莊嚴、安靜、幸福的沉思，不受干擾地體驗周圍世界，并享受其中的樂趣。樂章的另一個特點是；主題在高音域頻繁地結束，這在慢板樂章比較少見，這種手法的確體現出一種深切的感情。第31小節開始出現感人的、簡樸的旋律也就是F大調的副主題出現了，到了43小節是再現部，這里和聲比較豐富，演繹上與呈示部彈法一樣。第51小節的左手分散和弦不可干擾到主題。盡可輕而柔地演奏，節奏一定要準確無誤。第55小節起至“f”之前的分散和弦是漸強與漸快速度到此為止是真正的徐緩樂章，其內容很有深度，旋律非常豐富，同時為了使和弦的音響更具效果，應很好地使用踏板。

摘要：手腕技巧是鋼琴演奏中很重要的領域，是演奏鋼琴最前哨最直接最敏感的部位之一.手腕的工作不僅對手指本身的積極運動有意義，而且對于把手腕傳遞給琴鍵也有意義。一個手腕的工作不正確，可能破壞整個的演奏技巧，手腕的控制能力，是重中之重，基礎之基礎。本文主要針對手腕技巧展開探討分析。

關鍵詞：鋼琴演奏手腕技巧

在彈奏每一組音或每一個樂句時，需要來自手腕的重量補充，重量補充的多少，都是由樂曲的內容和風格所決定，它要隨著樂句力度色彩的變化而變化。伴隨著旋律的變化，重量補充越敏銳，演奏就越能豐滿而鮮明。音樂中由于力度的變化是連續不斷的，通常需要提供重量補充的就是把較大的樂句或片段以腕為軸自上而下統一起來進行彈奏，而不要將重量淤塞于手腕、手腕的某個部位，手腕的重量或多或少都能通過手指而全部送入琴鍵，彈奏出或豐滿淳厚或清新悅耳的聲音。

手腕在彈奏中的狀態和作用是多種多樣的，其動作方式以上下和左右兩種為主。其中有些是手腕獨立完成的，比如力度較小的跳音、斷奏的雙音、和弦等.有些是以腕關節為主、控制手部的上下左右動作，比如較強的跳音和斷奏雙音、和弦等，以及左右移動的音階、琶音、音程較大的震音等。還有一些是和手臂結合起來的動作，這一動作方式多存在于較近距離、較快速度地在琴鍵上移動手位，是以手腕為主，帶動手臂的弧線運動。

一、手腕要有彈性

彈性可從兩個方面來認識，一方面是對手部上下動作的控制，即在手腕持平、前臂穩固不動的狀態下，靈巧自如地抬起手掌、隨后又自然地將高出手腕的手掌和手指向下彈去，這其中就包括手腕的彈性。比如手腕非連奏，即利用手腕靈巧的上下運動、運用手的自然重量、奏出比肘部非連奏靈活、富有彈性的柔和聲音。

【論文關鍵詞】：竹笛演奏;音準;音準觀念

【論文摘要】：竹笛演奏音準至關重要，是音樂表現的前提和重要保證。竹笛的音準問題是演奏者時常易出現的問題，也是較難解決的問題。文章主要從竹笛的發聲原理、影響竹笛音準的因素、樹立音準觀念、提高聽覺能力以及演奏方法等方面來闡述如何正確而有效解決竹笛演奏中的音準問題。

音準是樂器學習者最感棘手的問題之一。因受竹笛本身結構、演奏者個人聽覺或練習方法等因素的影響，所以，在竹笛演奏時音準成為較難解決的問題，通過科學有效的訓練方法，可以把竹笛的音準解決好。

一、發聲原理

要解決竹笛的音準問題，首先要了解竹笛的發聲原理，從中找到影響竹笛音準的幾個因素。

笛子的笛身一般為竹制，用浙江余杭一帶的白竹，江西、安徽一帶的紫竹做的笛子音色為上品。白竹做的笛子發音清晰、明快；紫竹做的笛子發音柔和、圓潤。但并非所有的白竹或紫竹都能做出好的笛子，選料的好壞也直接關系到竹笛的音準。笛子屬于木管樂器家族中的吹孔膜鳴樂器類。笛膜（演奏時貼于膜孔處的一個小薄片）一般用嫩蘆葦桿中的內膜制成。它是典型的中國民族樂器，表現力十分豐富，可演奏出連音斷音、顫音和滑音等色彩性音符；還可以表達不同的情緒；無論演奏舒緩、平和的旋律，還是演奏急促、跳躍的旋律，其獨到之處都可從中領略。此外，笛子還擅長模仿大自然中的各種聲音，把聽眾帶入鳥語花香或高山流水的意境之中。

摘要：通過鋼琴豐富的音色表現力和音色特點，闡述如何表現、如何改變音色的方法，分析改變音色的演奏技巧。

關鍵詞：鋼琴音色表現力演奏技巧

音色是由發音體的性質、形態以及其產生泛音數目的不同而呈現出的不同聲音，即音的色彩和特征。優美的音色是音樂表演者必須持續不斷追求的目標。只有演奏出優美的音色才能打動聽眾的心，實現音樂感人肺腑之功能。著名鋼琴教育家涅高茲說“鋼琴的藝術也是聲音的藝術，通過彈奏音色的變化產生的音響可以表現出憤怒的狂號、疾風驟雨、雄偉悲壯、奔騰豪放、果斷剛烈等強烈的情感，也可以表達低聲傾訴、喃喃細語、安慰、愛撫、嘆息、抽泣、甜蜜、微笑、幸福、愛情等內心的復雜情感，也可以表達空谷回聲、黃昏鐘聲、高山流水、粼粼水波等大自然的奇觀美景以及陽光、月色、云彩、微風等看得見摸不著的物體?？傊?，所有稱之為音樂的東西都可以在鋼琴上彈奏出來，而音色的變化使音樂的表現具有廣闊的想象空間和表現范圍。

一、鋼琴獨特的音色美

在遼闊的音樂世界，樂器的品種類別數以千百，但人們卻對鋼琴情有獨鐘，那是因為鋼琴本身所具有的獨特性能和審美價值。鋼琴的氣勢宏大，沒有哪件樂器可以與之相比。它既有遼亮輝煌的音響，又有絢麗多彩極具豐富的音色。鋼琴音域廣達6-7個八度，力度變化從最弱到最強，體現了大幅度、多層次音響特征，其豐富的表現力可以與一個交響樂隊媲美。通過彈奏等技術處理又可以使音樂變化多彩……鋼琴這種樂器在筆者的印象中是最理智的，彈奏時腦海里總是浮現各種更感性的、更具體的聲音形象，包括人聲和世界上所有樂器所表現出來的各種各樣的色彩。因此鋼琴演奏者不需要任何人的幫助，一個人就可以單獨在鋼琴上塑造出絕對完整的形象，創造出某種完整和完美的鋼琴作品。

鋼琴有它獨特的音色美，有它的“自我”，無法與其他東西混淆。我們應當了解并喜愛鋼琴獨特的“自我”，從而徹底理解它、掌握它。音色美給人以官能上的快感，這種源于物理屬性的生理反應，是一種初級的靈感。但從鍵盤上流淌出來的音樂,卻蘊涵著豐富的音樂美的內涵，這種有旋律、和聲、調式、調性、肢體、曲式、速度、力度等音樂表現要素交織在一起所構成的音響美，不僅給人以情緒的感染和精神的愉悅，而且還具有一定的啟迪智慧、完善品格的效應。只有當你在鋼琴上彈出不可能的東西時，你才能彈出鋼琴上一切可能表現的東西。心理學家認為，概念、想象、愿望是可以跑在實際的東西前面的。貝多芬耳聾后創作了他聽不見的鋼琴音響并且預示了鋼琴在數十年后的發展。作曲家的創作精神為鋼琴音響探索出了新的規律，而鋼琴就逐漸地適應了這些規律。

一、樂章演奏分析

奏鳴曲第一樂章的形式非常獨特，而且幻想的意境用非常巧妙的形式表現出來。暴風雨來臨前的激動心情逐漸地展開，每個層次的進展與沖突都非常清新、風趣，主題以d小調的屬音開始，兼有緩板和琶音，以最后一個a音起開始數拍子。廣板充滿沉思、懇求、召喚秘藏在心中的感覺，慢板深刻而且不安定。從快板開始踩踏板，逐漸增強，造成一種激動的氣氛。在這里旋律音給人感覺像是堅定的命令，雄壯又單純而且如雷鳴般。41小節副主題在a小調上出現，這個樂句很活躍，充滿了激動。第55小節起和弦一定要彈得堅強有力并且充滿英雄般的氣魄。69小節起左手八分音符的經過句，從弱音開始之后漸強，到75小節激動起來，這個發展過程一定要演繹出來。從97小節開始的展開部是呈式部的繼續和發展，旋律有特別形象的對比性和沖突，它加強了主題的戲劇性，因此成為全樂章高潮的中心部分。從147小節開始的再現部是展開部的發展，它慢慢地向優美的歌唱發展，將主題歌唱化，使人欣賞時有一種新的效果。最后的1O小節使用踏板，好像是從遠處響起的雷鳴，然后逐漸地慢下來，漸漸地遠去，給人留下的是一種悲哀和深刻的印象。

第二樂章非常浪漫，每個音符都充滿了詩情畫意，能將人帶入音樂的世界里，盡情敘述的音樂，可以使人聯想起暴風雨過后的那種寧靜以及對人生和大自然的種種幻想。在第一樂章里心情是激動和復雜的，而在此卻是莊嚴、安靜、幸福的沉思，不受干擾地體驗周圍世界，并享受其中的樂趣。樂章的另一個特點是；主題在高音域頻繁地結束，這在慢板樂章比較少見，這種手法的確體現出一種深切的感情。第31小節開始出現感人的、簡樸的旋律也就是F大調的副主題出現了，到了43小節是再現部，這里和聲比較豐富，演繹上與呈示部彈法一樣。第51小節的左手分散和弦不可干擾到主題。盡可輕而柔地演奏，節奏一定要準確無誤。第55小節起至“f”之前的分散和弦是漸強與漸快速度到此為止是真正的徐緩樂章，其內容很有深度，旋律非常豐富，同時為了使和弦的音響更具效果，應很好地使用踏板。

第三樂章是奏鳴曲式。這個末樂章是快板，是非常優美的終曲，由連綿不斷的快速16分音符組成。自始至終充滿了溫柔與愛的性質，這樂章的美是一種“虛幻無?！钡拿溃故境鲐惗喾宜非蟮膲舻氖澜纭５谌龢氛聼o論在伴奏音型里或是在主導旋律中，都有連綿不斷的16分音符的律動性進行，表達出優美的明暗變化，舒展出精彩的鋼琴獨奏技巧。它的節奏十分嚴格統一，力度變化非常詳盡細致。必須控制并掌握好每一層次在力度、音色、樂句起伏等方面的細微變化，否則這個樂章就很容易顯得單調。樂章的主題由一個弱起小節開始，所以大拇指上的音不可太重，這一句要彈得溫柔。右手每句的結尾8分音符斷音時好像是要離開鍵一樣的輕輕結束就可以了，也就是句尾結合演奏方法來收。左手盡可能地圓滑演奏，整齊流暢的音要讓人聽起來有“馬蹄嘀嗒聲”的感覺。24小節半音的速度要十分準確，不能任意增加速度。3O小節起是連接段，49小節的弱奏要特別演示出來。55小節的8度，須單獨練習，是手臂保持松弛和自然狀態，盡量用手腕彈奏。81小節的左手很重要，聲部的進行需要突出。83小節分解的八度也是旋律。91小節左手的和弦要飽滿而且干脆，慢慢進入展開部。龐大的展開部巧妙地運用明暗色彩層次，這些色彩的豐富是通過變換調性來達到的。貝多芬為了不使它單調，運用各種方法，使樂曲在16分符運動之間，都能吸引聽眾的注意力。演奏時的狀態也非常重要，用心去聽自己所彈出的每個音，是否經過了思考，使感情的狀態進入到音樂中。像95至98小節可以想象成是木管，長笛和單簧管的獨奏部分。118小節主導的聲部轉移到了右手上，因此要清楚地聽見這個變化。第215小節是再現部的開始，在這里貝多芬也運用了離調等復雜方法，但在演奏上的重點與呈示部基本相同。從323小節尾聲，彈奏時要使緊張度逐漸提高，每一個“sf”要漸強。381小節以后的三小節之間，要充分的把減七和弦的效果彈出來，使樂曲產生出緊張感。最后要用弱奏結束全曲。這樣的結尾不容易處理，需全身心地控制，每個音要均勻，而且節奏不變，不做漸慢，要讓它自然地靜悄悄消失。由于奏鳴曲曲式的嚴謹性，我們要學會發現每個樂句的技術特點與音樂相結合。

二、啟示

《暴風雨》的演奏速度與技巧，內容與形式可以說是無懈可擊的，他的演奏理論與實踐留給我們許多有益啟示。（1）總的原則，獨奏音樂(以及以弦樂四重奏為代表的室內樂)應該比大型合奏音樂(如交響曲等)在節奏處理上享有更大的自由，這一點對于古典時期的音樂非常重要。（2）不能機械地理解速度標記，因為它可能只對樂曲最前的幾個小節有效。貝多芬的速度標記往往指的是該樂章中最快的片刻，意思是不要超過這個速度極限(如果是這樣，那么作品106中貌似奇怪的速度標記就是完全正確的)。（3）貝多芬明確要求，一次夠格的獨奏表演，應該在節奏步履上有復雜而微妙的變化調整。確實，只有這樣，音樂在時間中的真實行進才會獲得生氣和生機。從某種意義上說，這種局部的節奏彈性伸縮是否自如，是否豐富，是否妥貼，是一位演奏家是否具備“樂感”、某次演奏是否具有藝術質量的一個關鍵性指標。（4）貝多芬同時也非常明確，上述的節奏與速度調整不能過分，“僅僅只被最敏感的耳朵察覺”。羅森深刻地指出，“貝多芬希望，無論步履節奏出于表情的驅動如何變化，而且，更為重要的是，理解速度的變化，必須始終要將其置于一個大范圍的、控制性的節奏觀念之下?！?/p>