舞臺美術范文10篇

舞臺美術是舞臺造型藝術的總稱，是舞臺藝術的一個重要的組成部分。它由舞臺布景、舞臺燈光、演員服飾、演員化妝、道具等藝術部分構成。舞臺美術從屬美術的范疇，它與其他美術門類有共同的特點，但也因舞臺的特性決定了舞臺美術有它自己的個性。只有掌握了舞臺美術的特性，設置的舞臺美術才能更好地為戲劇角色營造所需的生活環境，為演員塑造人物形象，展開劇情服務，為舞臺表演藝術服務。

1.舞臺美術適應于舞臺特性舞臺的結構多種多樣，目前較多用的是鏡框舞臺和圓形舞臺兩大類。鏡框舞臺三面為“墻”，一面向觀眾，構成了舞臺的高度，寬度和深度；圓形舞臺有的是半邊向觀眾，有的是四周都向觀眾，圓形舞臺常是露天臺。不管是什么臺，在舞臺上設置景物都要根據舞臺的具體情況來決定，要適應于舞臺的特性，使景物與舞臺構成一體，成為有別于其他美術作品的立體藝術，形成一個既美觀又合理的演出環境，更好地為表演藝術服務。

2.舞臺美術適應于表現的內容舞臺美術是為表現的內容服務的，因此，舞臺美術要根據演出的內容來設置，使演員有一個既方便表演又合乎劇情的環境進行藝術創作。例如，在表現某種情緒性的歌舞節目時，可以讓燈飾成為舞臺裝飾物之一，利用舞臺燈光的閃動，光柱的變化來烘托舞臺氣氛，而在表現情節性的戲劇內容時，就切忌讓觀眾看見燈具，只求燈具產生的燈光效果。例如用燈光營造朝陽斜照在舞臺上一件景物的效果，如果看見照景物的燈具，那就演魔術穿幫一樣，未免太失真了。只見燈光效果而不見燈具對于鏡框舞臺來說可以做到，對于圓形舞臺就比較困難。景物的設置要根據所表現的內容來決定，表現的是現代歌舞？還是古典歌舞？是現代劇還是古裝劇？劇的時代、背景是什么？劇的地方特色是什么？劇中人是什么身份？他處在什么環境？這些都是要認真考究的。既要反映出劇情的環境，又要方便表演，既要真實又要簡練，要在服從于內容需要的前提下表現出舞臺美術的美觀。

3.舞臺美術適應于表現的風格藝術表現的風格很多，大體上可分為寫意與寫實兩大類。體驗派的話劇是寫實的，它的景物就要求逼真，力求營造一個接近真實生活的環境，有利于演員乃至觀眾進入戲劇的情景。而表現派是寫意的，它的舞臺美術可以夸張些，簡練些，裝飾性強些，如我國的戲曲，情緒性的歌舞等。

4.舞臺美術是真與假結合的藝術無論是寫意的還是寫實的舞臺美術，它絕大多數是假設的，就如寫實的布景，盡管景物制作得很逼真，但畢竟是假的。寫意的舞臺美術就顯得更假了。而在這些假的景物之中進行表演的演員是真的。那么就有一個真的演員如何生活在假的環境中的問題，這個問題必須要得到很好的解決，使真、假兩者很好地統一起來，才能產生真實的效果。尤其是像中國戲曲這類寫意的舞臺美術，更需要通過演員逼真的表演去使觀眾認同，使假設的舞臺裝置產生真實感。在寫實的舞臺美術中要有主有次，在演員表演環境中的景物要逼真，演員使用的裝置、道具要逼真，而遠景就可虛些。

5.舞臺藝術是變化的藝術舞臺藝術不象其他藝術作品一樣一成不變，它是隨著表觀內容的需要，隨著劇情時間的推移和環境的變更相應地變化著。因此可以說，舞臺藝術是表觀環境的美術，是表觀時間的美術，是隨著劇情環境，劇情時間的變化而變化的藝術。在表觀劇情環境的變化中，中國戲曲有其獨特的方法，就是通過演員的表演使觀眾產生無限聯想。一個圓場就可以說走了萬水千山，觀眾都能認可。寫實的做法是通過幻燈景的變化或移動的景片來解決，而時間的變化常用燈光色調的變化來表觀。

巴爾說：“如果印象主義把眼睛作耳朵，表現主義則把眼睛作嘴巴。”（注：巴爾：《表現主義》，1920年版。）表現主義的原理是渴望以主觀視象來描繪外部世界，反對寫實主義和自然主義那樣用照相式的眼睛將焦點聚于外部細節上。表現主義代表了人類的內部的眼睛，要對世界作出全新的完全獨特的解釋，認為可觀察到的當代物質和機械的社會不代表真正的世界，這個社會歪曲了人性，將人淪為機器似的動物，使世界充滿了痛苦和絕望。所以表現主義藝術家要求從主觀愿望出發去改造外部現實，直至將其改變到與人的精神本質相一致，此時，這個世界對人類才是有價值有意義的。

由于表現主義者認為“真實”主要存在于主觀領域，就必然尋求以新的藝術手段來表達出被扭曲的心靈：歪曲的線條，夸張的形狀，反常的色彩，機械運動式動作，電報式精練語言……將觀者從外部表象上拉開，進入心靈世界，一切事物常常是通過主角的眼光被表現出來，他的眼光可以對事物作強烈變形和主觀解釋。

表現主義繪畫在1905年的“橋社”組織中正式宣告問世，但這個運動在戲劇中并沒有立即產生影響。在第一次世界大戰中，特別是戰爭結束后，表現主義才成為戲劇表現的重要形式。

表現主義戲劇拒絕傳統規則，打破存在于各客體之間的邏輯關系，按人類內部的眼睛重新創造，不是去再現客體自身的物質真實，而是表現由它們激起的情感。表現主義戲劇演出以斷續簡短的語言，反復申訴內心的絕望和痛苦，狂呼式的朗誦伴以夸張的動作。這種表演方式拋去了傳統演出觀，尋求與內心騷動相一致。“用一種抽象的固定的姿勢有節奏的朗誦，用強烈的，慷慨激昂的講話和痙攣的表情顯露出一種緊繃的，爆發的，憤怒的表演，不是具體化角色，而是揭示角色的精神狀態”。（注：巴勃萊：《歐洲表現主義戲劇》，1971年巴黎版P208。）這是1918年演員多伊奇演出哈森克勒佛的表現主義戲劇《兒子》時，所表現的感情和采取的姿勢。這種方式使人想起表現主義先驅、挪威畫家蒙克的名作《吶喊》，“畫面中心一個衣衫襤褸的人物發出一聲恐怖的喊叫，他的手捂住憔悴的臉，整個身軀都變形了。他的感情在他周圍引起了同心向外散發的波浪……周圍環境變形……”（注：吳光耀譯：《二十世紀舞臺設計革新》，載1986年《舞臺美》總第5期P164。）在演出中，燈光和布景象演員一樣成為有生命活力的戲劇元素，融合在一個整體中，共同創造劇本所要反映的母題。

在這么一種專注于表現現實的深層本質的戲劇中，與戲劇精神無關的東西全被拋棄，包括那些反映日常生活表面而不涉及“靈魂”的視覺因素。傳統的舞臺美術的作用命定要被調整到最低限度。從“外部形象是內部現實的表現”（注：巴勃萊：《歐洲表現主義戲劇》，1971年巴黎版P208。）這個前提出發，舞臺美術在線條、色彩、形式和物象上越來越主觀，越來越抽象。就象在著名表現主義導演杰士納作品中，是一種簡潔的“濃縮的符號”，作為演員表演的“跳板”，或稱為“心靈和觀念的搬運者”。（注：巴勃萊：《歐洲表現主義戲劇》，1971年巴黎版P208。）

自然，舞臺美術的任務不再是再現客觀世界或戲劇動作生存的場所；相反它必須從線條和色彩，物體和形狀具體化劇本中暗示出的精神實質，達到象征表現。朝著這個目標，沿著阿披亞的足跡，首先開始對舞臺層面的造型進行重新構建，利用臺階和平臺，組成富有節奏的舞臺空間，再放置需要出現的布景元素。

一、外在形象

這里的表現，可以分成三個層次：弱化——模仿——強化。顧名思義，在戲劇演出中，為了適應不同的戲劇風格，滿足不同的劇情，表達不同的含義，燈光設計者在利用燈光塑造人物的時候會有意識地不同程度地顯現人物的外在形象。這里尤其需要指出的是，這里的模仿，并不是純粹地為了模仿而模仿，而是一種有意識的“再現”，一種主觀能動的“再現”，是“表現”的一種。

一般來說，對燈光來說，人物的外在形象主要有以下幾點：

1.服裝、化裝

燈光對服裝和化裝的再現最常規的作用便是用白光、淺色光來顯現人物，再造形象(化妝)。呈現人物的服裝(服裝的顏色、材質、結構、組成等)。

此外，燈光的著色作用在這一方面也表現得尤為突出。不同顏色、質地的服裝在不同的燈光的照射下會呈現出不同的狀態。有時是有助于表現服裝、化裝的，考慮得不周到卻會適得其反。

當時的小劇場話劇運動雖然是在較小的觀演空間進行的演出，但其觀演模式還是傳統鏡框式舞臺結構。真正的小劇場話劇是從80年代開始的。

本世紀末的二十年，是改革開放的新的歷史時期。社會生活的巨大變革使這一時期中國話劇走向低谷。困境中的話劇開始全方位革新，探索新的出路。在戲劇理論上，小劇場戲劇的環境創造與空間設計推倒了斯坦尼拉夫斯基的“第四堵墻”的觀念。布萊希特和中國傳統戲曲強調戲劇假定性的觀念，成了實驗性和探索性中國小劇場話劇的一面旗幟。

新時期小劇場話劇打破了斯坦尼戲劇理論和演劇體系，西方各種戲劇理論思潮和創作方法隨著改革開放的大潮紛紛涌入我國，使我國新時期話劇舞臺美術設計風格處于傳統與現代；中國與世界的時空交匯點上。這一時期反映社會生活轉型中人們的價值觀念，人生哲學的變化；反映普通個人生活經歷，深入家庭生活矛盾，貼近生活貼近觀眾心靈的戲劇作品增多。豐富的內容與形式為話劇的舞臺美術設計的構思與創意，提供了一個自由創造的新天地。

一批讓人們耳目一新的舞臺美術形式，為觀眾創造了全新的感覺。

象征主義的象征寓意，立體派的體和面，超現實主義的想象和意識流等，具有較強形式感現代派藝術手法的運用，使新時期舞臺美術呈現出多樣化的造型趨勢。

新時期第一臺探索性小劇場話劇是《絕對信號》。1982年由北京人民藝術劇院在樓上一間客廳式房間里上演。三面觀眾立體小平臺支點豐富，演員與觀眾近在咫尺直接交流。

一、現代舞臺美術設計中視覺傳達幾點思考

1、元素的總體把控不能忽視。舞美設計要想進行完美的視覺傳達，就要充分把控色彩、圖案、燈光等之間的平衡度，將舞臺看成一個視覺盛宴的整體。但是，在舞美設計中，設計師過于局限于點線面之中，忽視色彩、燈光、圖案等元素的作用。觀眾的視覺是隨舞臺元素而動的，是隨著設計師的思路進行觀看和感受，若是整體風格不協調，自然不會讓觀眾耳目一新、記憶深刻。2、應用技術不能本末倒置。科學技術給予舞美設計極大地藝術創造空間，也豐富了舞美設計的藝術表現力。在當先的信息科技時代，科學技術極大地改變了觀賞習慣。但是，事物總有相反的兩面，在舞美設計中，科技泛濫的趨勢明顯，眾多表演不再是演員的主場，而是舞美設計的主場。這種本末倒置的情況，是舞美設計人員急需深思解決的問題。因為，舞臺表演是為主題服務的，而不是為舞臺設計服務的。

二、現代舞臺美術設計中視覺傳達的注意要點

1、把控各個元素的平衡度。在舞美設計中，平衡度是各種元素放置舞臺恰當位置，是為舞臺表演增添光彩的。體現舞美設計的平衡度直接表現是裝置藝術的應用問題，裝置放在不恰當的位置，會導致舞臺整體氛圍不同，而影響舞臺表演效果[1]。如果將舞美設計看成平面數軸的話，那么各個元素就是在X軸、Y軸的各個數字，只有其在兩軸比重均衡，那就代表著設計優美。當然，平衡度不局限于裝置，還有燈光設備、LED顯示屏等元素，若是燈管設備放置雜亂、LED顯示屏擺放不正，必然影響舞臺整體的美感。2、重視舞臺各元素的對比度。對比度是舞美設計中的色彩、大小、形式等的變化和不同。不同元素之間的對比可以促成不同舞臺風格，簡單元素的對比通常會顯得設計過于簡單，而好的舞美設計是充分運用色彩、材質、工藝等，使其營造出一種氣氛，以此激發觀眾的情感反應。人的情感色彩是主觀性和情緒化的，與舞美設計的色彩變化一樣。所以，在舞美設計中，重視色彩的變化是調動觀眾情感的重要手段。在舞美設計中，對比度最具明顯的就是舞臺色彩和燈光變化，一致的舞臺色彩會勾起人們的注意力，是人精神集中。如《夢想的聲音》以“紅”為主體的燈光場景，絢麗而唯美。

三、現代舞臺美術設計中視覺傳達的具體應用

1、裝置藝術的應用。2019年6月1日，著名青年舞蹈家劉巖編創并表演的最新作品《母陀羅》在北京舞蹈學院舞蹈劇場上演，該作品是以多媒體視覺藝術與裝置藝術與肢體語言的完美融合。裝置藝術是藝術家們根據自身的喜好，將文華實體以組合、改造、選擇等形式賦予一定的藝術形態，以此更好地襯托出藝術美感。劉巖將自身作為裝置一般，置身于投影之下，在空中、地面配于旋螺絲、氣球、熒光棒等裝置，使得舞蹈中不同的手印呈現出不同的藝術形態，給人一種肢體美感的享受。再如《跨界歌王》中宋佳表演歌曲《再講》時，其裝置就用到樓梯、救生圈、滑板、路標等，配上LED顯示屏，舞臺營造成“朝陽下的沙灘”氛圍，美輪美奐，給人不一樣的視覺享受。2、自然景觀的應用。2019年4月28日，世界園藝博覽會在中國北京拉開序幕，40分鐘舞臺表演和3分鐘的煙火表演，給人留下深刻印象。整個舞臺美輪美奐，舞者仿佛置身于田園之中，根據總導演沙曉嵐介紹，該舞臺設計依據中國建筑理論借景造景，搭建遠中近三個舞臺，以花草樹木、湖光山色為天然景色，借助網幕的影像作為補充，形成“田園中的舞臺、舞臺中的田園”的舞臺效果。媯汭湖畔設立主表演區，湖中為中景表演區域，湖中小島青楊洲為遠景表演區域，視覺上給人一種由遠及近、由高到低的沖擊，富有視覺美感和層次。該舞臺設計的最大特點就是舞美聲光電與自然景觀的融合，周遭景色成了舞臺的背景，借助威亞技術、影像技術、投影技術等作為補充，構建了可轉動的LED屏幕，讓舞蹈演員可以與屏幕互動，給人如夢如幻的感覺，如節目《綿長的芬芳》舞蹈演員李祎然化作“飛天”，在空中起舞，借助LED影像變換，仿佛是從絲綢之路走來，讓人目瞪口呆、嘆為觀止。為演出的縱深調度提供視覺補充，還在媯汭湖湖面下設計了水下燈，使得整個舞臺和湖面星光律動、璀璨奪目[2]。這種與自然景觀融為一體的舞臺設計，不僅突出了本次博覽會“人與自然和諧共處”《美麗家園》的主題，也突出了舞美設計可以借助自然景觀進行視覺傳達的。3、懸浮座椅的應用。懸浮座椅的設計，是節目《機智過人》的舞臺設計師尚天寶的作品，是把座位懸浮在空中，配上360°全息屏、絢麗多彩的燈光和科幻味的舞臺造型，仿佛將任職于浩瀚的宇宙當中，視覺設計打破了常規的落地式觀眾席的形態，讓觀眾仿佛處于上帝視覺之中，能夠精細地觀察到整體舞臺表演情況。舞臺上還設36塊透明屏幕（冰屏），呈環形圍繞舞臺，這種懸浮座椅與冰屏的相互結合舞臺視覺設計，使觀眾在懸浮的空間中避免了視線的遮擋，得到最佳的觀賞視角，同時又能從冰屏中獲取選手信息、場景信息，讓觀眾完全置身于舞臺節目的視覺享受中。4、燈光色彩的應用。舞臺燈光在舞臺上必須要有足夠的照明，滿足觀眾視覺要求，能讓觀眾看清楚舞臺，包括布景的顏色、景物和人物的外形，甚至是需要特別突顯的細節部分。同時亮度和色彩的分配創造舞臺時間，描繪天氣和景物，烘托人物心理情緒及創造舞臺氣氛、情調。燈光色彩是視覺傳達的直接感受，應用好燈光色彩只會讓舞臺節目熠熠生光。第二季的《夢想的聲音》自播出以來，其燈光設計的豐富多彩，一度獲得外界的好評。舞臺上融入能量星球、音樂之門、音梯的新設計，造就出一個夢幻絢爛的舞臺。燈光色彩應用到XP-470BSW200臺、XP-16RBSW200臺、CM-600Z130臺等ACME燈光，還有200wLED圖案燈(Ares-B2)、600wLED切割燈(Ares-P6)等歐瑪燈光，讓整個舞臺呈現出一種多層變化的科技感，以“紅”為主題的燈光場景、激光集錦場景讓人印象深刻，故而張靚穎直喊“要給燈光師加雞腿!”在一定程度上而言，燈光色彩應用得當是表現舞美設計視覺傳達的關鍵。5、服裝設計的應用。在舞美設計中，服裝設計是不可忽視的元素，不僅要與舞臺風格一致，還要符合角色要求，為觀眾提供服裝審美體驗。服飾是體現時代地域文化的重要標志，任務身份、性格氣質等方面都呈現在服飾裝扮上，好的服裝設計可以為表演加分。從舞臺表演的角度來看，服裝設計與主題統一與否，關系到整個舞臺的成功與否。服裝設計是為舞臺主題而生的，不然容易顯得突兀，格格不入，缺乏美感。服裝設計的承載者是演員，其與舞臺上的燈光、裝置等形成一體，才能為表演者的表演助力。著名服裝設計李銳丁說：“我們要把很多現代觀念融入到舞臺服裝中，時尚的元素、肌理的組合、包括色彩的運用都要和當前時代與現代的流行元素緊密結合，從而更好地集合歷史元素，這樣才能達到預期效果”。[3]

摘要：話劇舞臺包括燈光、舞美、色彩等多個元素，空間構成元素包括空間中點、面、線，通過空間色彩的搭配與分割，加以運用蒙太奇等表現手法，可以增加話劇舞臺的空間感與美感。話劇舞臺的美術設計是形式美學的一種。本文基于話劇舞臺空間構成分析，運用視覺美學以及空間美學加以豐富、創造，實現對空間的科學構成，繼而實現增加觀眾觀感的目標。

關鍵詞：話劇舞臺；美術設計；空間構成；視覺美學；色彩漸變

話劇舞臺將文字劇本以視覺方式展現給觀眾，話劇演員的站位、舞臺的燈光、音樂、色彩等構建成完整、有深度的話劇表演。舞臺的美術設計是一種視覺表達，是構成舞臺空間的重要內容，舞臺空間影響著演員的站位與移動方向，在對空間色彩以及空間面積進行合理分割以及搭配的基礎上，構建立體的空間，從而達到增加觀眾視覺舒適感以及視覺美感的目標。

一、舞臺空間構成概述

舞臺空間構成是指通過平面作用以及構圖方式，將演出在三維空間內進行，空間中的人物處于時刻變化的狀態，觀眾從不同的角度可以解讀出不同的空間內容。舞臺空間的構成大致包括人物、色彩、光線等，是設計人員有目的地進行空間安排以及規劃，為觀眾展示別樣的視覺效果。空間設計包括舞臺平面、演出支點與視覺支點的組合，景觀布置以及管線布置等，在平面設計的基礎上，搭建以人為主體的具有高度、寬度、深度的立體舞臺。舞臺空間構成大致以比例關系為主，在調整的過程中，確定平面以及立面。舞臺空間具有限制性，表演具有現場性。舞臺空間的拓展無法超出觀眾的眼線，雖然舞臺空間是有限的，但藝術的表現力是無限的，舞臺設計通過表現無限的生活空間，引導觀眾的主觀能動性，實現對藝術的升華。具體而言，從空間構成的角度分析舞臺空間，可以將其分為實體空間、限定空間、虛空部分三種，實際上，在進行舞臺空間設計時，更加著重的是對虛空的處理，通過包圍實體的虛實結合表現手法，增強舞臺的表現力。

二、舞臺空間設計手法

藝術和語言一樣,是一種表達手段,它應該引起人們的思維設想出一件東西來.鋪畫紙像舞臺,握畫筆如指揮捧,彈根根線條似琴弦,腦海里就會像出現具體東西一樣。然而藝術喚起人們想象,又不必跟現實完全一樣,因為藝術不是現實,我們看到的那些成功的藝術作品都是以神形兼備的具體個性形象來反映生活的,這是作品給人的深刻鮮明強烈印象的真實寫照重要原因之一。隨著歷史變遷,藝術不斷更新,舞臺美術設計在新的時代中重放異彩。

融合現代科學運用多方位的藝術表現手法,以特殊燈光對舞臺畫面進行掃描，配以節奏旋律的獨特音響,把觀眾處置在特定的空間和時間中去欣賞和感受,融匯創造綜合性的藝術氛圍,從而產生強烈的藝術感染力,使觀眾“如聞其聲,如臨其境”。在欣賞中情緒為之激蕩,心魂為之振動。藝術不像真理那樣希望人們信仰,它只希望人們激動,同樣，舞臺美術設計不一定要像科學論文那樣需要充足的參考資料,藝術作品可以凝練和夸張,靈感是最可貴的,創作是自由的,東方有東方的意境,西方有西方的色調,大千世界有形形色色的藝術作品。但是人們對藝術美的欲望和追求是沒有止境的,總是向往未來,向往那更美麗更輝煌的藝術佳作。過去很多的革新,那種平面的更換色澤的變移,舊格局、舊觀念內的改革,已讓人覺得跟不上現代科學和思維的飛速發展。隨著科學新技術向各個領域的滲透,音樂出現了電子激光音響,文苑出現了有聲有色讀物,繪畫同樣也出現了電腦五彩濱紛的噴繪,所以說舞臺美術設計領域在形式上進行新的開拓,可謂勢在必然。舞臺模型是舞臺美術設計的方法和手段,舞臺空間的復雜化,要求舞美設計必須借助模型,單純的平面草圖不能達到目的。可以認為,舞臺模型的“立體”雕塑式，包含兩種意思：一是模型本身實際上存在的三維實體，在造型思維的深度與廣度上比二維的繪畫更難把握；二是舞臺模型作為視覺藝術，是被人的視覺和知覺所感知的各個視覺面的總和。舞臺繪畫只是平面上表現出立體形象，而舞臺模型則要通過造型的所有可視面將模型的實體展現觀眾眼前。在掌握造型實體與舞臺空間上，設計師本身有其自身的難度。

舞臺場景空間是立體的雕塑式的方式來表達接近于現實，是真材實料各種金屬木料創造出雕塑形體式為主的布景，以質感取代舞臺氣氛，以形體與空間取代顏色裝飾性,運用舞臺設計語言,創造出詩意寫實主義。所以只有在舞臺空間中認識實體才是做舞臺模型的正確的立體觀念更新，是設計師用這些具有三維特性的材料作為構成元素進行重新創造的結果。舊的畫圖設計方法,不可能創造出新的藝術形象,也表達不出整個舞臺實際的空間效果。舞臺美術設計方法是多種多樣的,根據劇目及性質可以是草圖、正式圖、模型。

當然舞臺模型的性質,主要是設計過程的推敲之用,是給導演各位參考評估,也可以說是從舞臺模型開始,結束時才畫正式效果圖和最后表達模型,舞臺模型是一種高效率的設計手段之一。創作能力和表達能力的提高,不能只靠演講和討論的方法,而是靠實際的實踐過程中,這是真正行之有效的方法。通過嘗試大膽創新從舞臺模型藝術中得到啟迪,使舞臺模型局部,明白坦露,開門見山,空間透視，虛實明暗,使觀眾欣賞舞臺時在另一層面更集中，更直接,極大地增強了“橫看成嶺側成峰”，充分發揮材料的可塑性。總而言之,首先要專門培養豐富的感覺,具備感覺能力敏銳,及可視形象的感知能力和思維能力.對空間形體光線明暗和色彩變化的感覺,還有時畫面的更重要的感覺能力,如將各種感覺上升到審美和詩意的境界,使畫面的感覺能力產生新的情感和立體意義,這樣才能使舞臺美術創作具有別于審美特征。客觀世界存在著各種各樣的節奏韻律和結構,生命萬象以其充活力的感情形式打動我們的生理感官,通過用心感悟和畢生實踐，從中尋找出具有視覺價值和審美價值的東西,既有深刻的思想內涵,又有強烈的藝術感染力，達到認識、審美、觀賞的有機統一,也是舞臺美術設計孜孜以求的。

使舞臺模型通過音樂、燈光、舞美的大膽創新及機械舞臺的點綴，大膽地將現代化的科技手段運用于傳統的劇種創新，將成為改造鏡框式舞臺并使之立體化提供了較為理想的舞臺裝置。舞臺技術發展的今天，也使種種的藝術設想有體現的可能。新材料、新光源、器材改革、激光電腦等技術在舞臺上引進，給舞臺增添千姿百態的繽紛色彩，與創造的空間，綜合、張揚、強化舞臺藝術的整體魅力。新世紀的舞臺美術事業已碩果累累，并在不斷發展與創新，已經形成了自己的藝術風格。

舞臺美術借助舞臺科技上升到新的創作水準和發展階段，呈現了三大特色：首先是舞臺形式的多樣化，其二是高科技與舞臺美術的互動結合更突出，三是舞臺美術的地域化特征日漸鮮明。舞臺形式的多樣化給人印象深刻，體現在：舞臺呈現寫實與寫意兼具；在手法上兼容了實與虛、再現與表現、具象和抽象、幻覺與非幻覺；舞美在融入戲劇為演出服務的過程里，彰顯出造型藝術獨立的審美價值存在。

巴爾說：“如果印象主義把眼睛作耳朵，表現主義則把眼睛作嘴巴。”（注：巴爾：《表現主義》，1920年版。）表現主義的原理是渴望以主觀視象來描繪外部世界，反對寫實主義和自然主義那樣用照相式的眼睛將焦點聚于外部細節上。表現主義代表了人類的內部的眼睛，要對世界作出全新的完全獨特的解釋，認為可觀察到的當代物質和機械的社會不代表真正的世界，這個社會歪曲了人性，將人淪為機器似的動物，使世界充滿了痛苦和絕望。所以表現主義藝術家要求從主觀愿望出發去改造外部現實，直至將其改變到與人的精神本質相一致，此時，這個世界對人類才是有價值有意義的。

由于表現主義者認為“真實”主要存在于主觀領域，就必然尋求以新的藝術手段來表達出被扭曲的心靈：歪曲的線條，夸張的形狀，反常的色彩，機械運動式動作，電報式精練語言……將觀者從外部表象上拉開，進入心靈世界，一切事物常常是通過主角的眼光被表現出來，他的眼光可以對事物作強烈變形和主觀解釋。

表現主義繪畫在1905年的“橋社”組織中正式宣告問世，但這個運動在戲劇中并沒有立即產生影響。在第一次世界大戰中，特別是戰爭結束后，表現主義才成為戲劇表現的重要形式。

表現主義戲劇拒絕傳統規則，打破存在于各客體之間的邏輯關系，按人類內部的眼睛重新創造，不是去再現客體自身的物質真實，而是表現由它們激起的情感。表現主義戲劇演出以斷續簡短的語言，反復申訴內心的絕望和痛苦，狂呼式的朗誦伴以夸張的動作。這種表演方式拋去了傳統演出觀，尋求與內心騷動相一致。“用一種抽象的固定的姿勢有節奏的朗誦，用強烈的，慷慨激昂的講話和痙攣的表情顯露出一種緊繃的，爆發的，憤怒的表演，不是具體化角色，而是揭示角色的精神狀態”。（注：巴勃萊：《歐洲表現主義戲劇》，1971年巴黎版P208。）這是1918年演員多伊奇演出哈森克勒佛的表現主義戲劇《兒子》時，所表現的感情和采取的姿勢。這種方式使人想起表現主義先驅、挪威畫家蒙克的名作《吶喊》，“畫面中心一個衣衫襤褸的人物發出一聲恐怖的喊叫，他的手捂住憔悴的臉，整個身軀都變形了。他的感情在他周圍引起了同心向外散發的波浪……周圍環境變形……”（注：吳光耀譯：《二十世紀舞臺設計革新》，載1986年《舞臺美》總第5期P164。）在演出中，燈光和布景象演員一樣成為有生命活力的戲劇元素，融合在一個整體中，共同創造劇本所要反映的母題。

在這么一種專注于表現現實的深層本質的戲劇中，與戲劇精神無關的東西全被拋棄，包括那些反映日常生活表面而不涉及“靈魂”的視覺因素。傳統的舞臺美術的作用命定要被調整到最低限度。從“外部形象是內部現實的表現”（注：巴勃萊：《歐洲表現主義戲劇》，1971年巴黎版P208。）這個前提出發，舞臺美術在線條、色彩、形式和物象上越來越主觀，越來越抽象。就象在著名表現主義導演杰士納作品中，是一種簡潔的“濃縮的符號”，作為演員表演的“跳板”，或稱為“心靈和觀念的搬運者”。（注：巴勃萊：《歐洲表現主義戲劇》，1971年巴黎版P208。）

自然，舞臺美術的任務不再是再現客觀世界或戲劇動作生存的場所；相反它必須從線條和色彩，物體和形狀具體化劇本中暗示出的精神實質，達到象征表現。朝著這個目標，沿著阿披亞的足跡，首先開始對舞臺層面的造型進行重新構建，利用臺階和平臺，組成富有節奏的舞臺空間，再放置需要出現的布景元素。

一、外在形象

這里的表現，可以分成三個層次：弱化——模仿——強化。顧名思義，在戲劇演出中，為了適應不同的戲劇風格，滿足不同的劇情，表達不同的含義，燈光設計者在利用燈光塑造人物的時候會有意識地不同程度地顯現人物的外在形象。這里尤其需要指出的是，這里的模仿，并不是純粹地為了模仿而模仿，而是一種有意識的“再現”，一種主觀能動的“再現”，是“表現”的一種。

一般來說，對燈光來說，人物的外在形象主要有以下幾點：

1.服裝、化裝

燈光對服裝和化裝的再現最常規的作用便是用白光、淺色光來顯現人物，再造形象(化妝)。呈現人物的服裝(服裝的顏色、材質、結構、組成等)。

此外，燈光的著色作用在這一方面也表現得尤為突出。不同顏色、質地的服裝在不同的燈光的照射下會呈現出不同的狀態。有時是有助于表現服裝、化裝的，考慮得不周到卻會適得其反。

摘要：色彩設計在舞臺設計中非常重要，色彩設計能夠提升觀眾的關注力度，影響觀眾在觀看節目的情緒波動，給觀眾帶來不一樣的觀看感受。在設計舞臺美術過程中，可以通過色彩來調節出舞臺的情調和氣氛。本文主要分析了舞臺美術設計中色彩的主要應用原則，重點分析了色彩在舞臺美術設計中的主要應用措施。

關鍵詞：色彩；舞臺美術；設計

不同的地區擁有不同的藝術表現形式，通過舞臺表演的方式，能夠讓各個地區的人們展現出自己當地的藝術文化，讓更多人能夠了解當地的文化特征。在舞臺表演過程中，舞臺美術設計能夠襯托出藝術的內容，通過光和色彩的結合，來體現出舞臺的精美。在進行舞臺美術設計時，一定要根據舞臺的整體表演主題，選擇合適的顏色，從而起到烘托節目表演效果的重要目標。

一、舞臺美術設計當中色彩的主要應用原則

想要更好的在舞臺美術設計中應用色彩設計，就需要掌握好三個關鍵的原則，首先色彩的設計一定要跟舞臺的整體設計保持一致，也就是說選擇的色彩要跟劇中的人物以及表達出來的情感相互協調。第二點則是通過色彩設計要凸顯出舞臺上的主旋律[1]，每一個舞臺節目表演都會有自己的主題思想，因此舞臺的色彩設計需要跟舞臺節目的各種劇情變化相協調。第三點是色彩之間的轉換一定要協調，每一個人物都可能需要不同的色彩設計，因此工作人員一定要重視色彩的選擇，避免出現角色錯位，影響舞臺場景的呈現效果，影響了觀眾對于舞臺節目內容的理解。

二、燈光要跟色彩設計相協調