深究歌唱的情感表達

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摘要：表達情感是聲樂藝術的重要特征，也是歌唱的靈魂。在訓練和演唱時，歌唱者對所演唱的作品進行合理的再創造，將吸氣訓練與作品的所要表達的情感結合起來，并通過音色來表現等方式，是歌唱中情感表達的有效方式。本文結合同行的研究成果和演唱經驗，對于演唱中如何完美地表達情感做了深入探討。

關鍵詞：歌唱情感二度創作音色

法國著名歌唱家亨利.費爾迪南.曼什坦說過：“情感是歌唱的靈魂，只有當聲音和感情同樣完美時，歌唱才可以被稱為藝術。”聲樂是歌唱者將歌曲作品呈現給聽眾并供聽眾感受的藝術，歌者的歌聲將抽象的音樂轉化為聽得到、看得見的藝術形式，并影響和感染聽眾，在這一過程中情感起著重要的紐帶作用。在現實生活中，我們經常可以發現，同樣一首作品由不同的演唱者演唱，可能會產生不同的藝術形象，出現不同的藝術效果，有的演唱者能準確地把握歌曲的情感和意境，使聲與情有機地結合起來，產生較強的藝術感染力；有的演唱者則過多地強調演唱技巧，忽視了作品所蘊含的情感和內涵，在演唱過程中缺乏情感和韻味，失去了藝術感染力，無法引起聽眾的共鳴；有的歌者雖然很“投入”，但由于偏離了作品的主題，不符合歌曲的內容和情緒，對歌曲的表現不著邊際甚至歪曲，這樣更起不到感染聽眾的作用。以上種種現象都是由于演唱技巧與情感表現沒有能夠有機結合造成的。可見情感的表達在聲樂演唱中具有重要的意義。本文結合同行的研究成果和自己的教學和演唱經驗，從以下幾個方面對于演唱中如何完美地表達情感，收到較好的演唱效果提出自己的看法。

一、二度創作是情感表達的基礎

聲樂作品是語言和音樂的結合，詩人與作曲家只是共同完成了一首聲樂作品，而只有當歌唱者將聲樂作品進行演唱之后，歌唱才能成為完整的藝術。優秀的歌唱家的演唱之所以能使廣大聽眾為之傾倒，受到公眾的喜愛，除了他們具有美妙的嗓音和高超的技巧之外，更重要的是他們的歌聲準確生動的表達了聲樂作品中的情感，從而引發了聽眾內心的情感共鳴。可見對聲樂作品進行科學、合理的“二度創作”是極其重要的。

聲樂旋律的非語義表達為二度創作提供了可能和條件，聲樂作品作為一種情緒、情感的抒發和表現，又可以作為一種情緒、情感的遐想和共鳴，這為演唱的二度創作提供了廣闊的想象空間。所以在演唱一首作品時，歌唱者要了解創作者的創作意圖和時代背景，將自己放入作品所表達的氛圍中，深入體驗作品的感情，使情感能夠準確的表現出原作的意圖。“在演唱時要想打動別人，首先要打動自己”。歌唱者在對作品二度創作的過程中可以借助“借情”或“移情”的手段來開拓思維和想象，“借情”或“移情”就是打動自己的方法。如在演唱歌劇《傷逝》、《不幸的人生》時，要把自己當成歌曲中人，仿佛身處那個時代和環境，只有這樣才能將觀眾引導到歌曲所渲染的情境、意境之中，達到情感共鳴的境界。

聯想與想象是分析作品的內容、角色、矛盾沖突的最好的方式，“聯想與想象”是情感表達的前提，是演唱者表達情感的來源，恰如其分的想象可以使演唱者更加深入的理解作品的內涵，準確地把握作品的情感及音樂形象，使表演更富有感情，使聽眾更容易被感染。具體地說，“想象”就是作品的表現力，創造出新穎獨特、鮮明完整的藝術形象。要解決表現力就應有更多的親身體驗，調動自己內心的聽覺，積累起豐富的情感形象，在腦海中為演唱構筑起強大的心理儲備與情感后盾。

二、運用正確的呼吸表達情感

在演唱時從調整歌唱呼吸的方法或呼吸動作人手，是獲得歌唱情感的主要渠道。呼吸是音樂表現的重要手段，歌唱的技巧強調“聲情并茂”，而“聲”的好壞，很大程度上在于氣息的運用正確與否，因而呼吸本身也就是音樂表現的一部分，所以在演唱和訓練時應當按歌曲的感情需要進行呼吸。

這就要求歌唱者在平常的訓練中從吸氣入手，努力做出與歌曲所要表現的內容相同或相似的表情和情感動作。由于吸氣的過程會強化人的情感意識，因此，吸氣動作不僅帶動著口腔、胸腔和頭腔等歌唱部位的打開和興奮，激發了人的歌唱欲望，而且還會極大地觸動歌唱者的情緒記憶和情感體驗，喚起了歌唱者的情感動作和表情動作，為歌唱情感的實現創造了有利的條件。這種帶有感情的吸氣是通暢的。氣不像是吸進去的，而是自然地流進去的，放進去的。如唱抒情歌時，美的感情會使你不由自主地會像“聞花”一樣吸氣，唱喜悅歡快的歌時，你會像發現新鮮事那樣讓你用“驚訝”的狀態吸氣，唱悲傷的歌時，你會情不自禁地用“哭泣”的狀態去呼吸等。這些富于感情的吸氣無論其深度和長度都已具備了歌唱氣息的需要，可以在演唱時充分自如地表達情感。

通過帶有情感的反復練習，歌唱者就能把情感記憶轉化為現實的歌唱情感，使歌唱情感融入到演唱過程中，使演唱時的發聲動作、歌唱狀態和聲音聽覺上都帶有強烈的情感特征，以促進歌唱情感和表情的形成和穩定。

三、通過音色變化來表現不同的情感

音色是聲音的屬性之一，不同的音色表現不同的音樂形象，也表現不同的音樂效果，音色的變化主要是根據歌曲內容情感而形成的。在任何一種情感(喜怒哀樂)中，人類的情感表現有共同的規律。而歌唱中的音色變化是指在演唱一首歌曲時，根據歌曲的思想內容來表示不同的音樂形象。例如，舒伯特的《魔王》這首藝術歌曲就有四個人物形象:孩子、父親、魔王、敘事者。在歌曲中必須調節出四種不同的音色，孩子需模仿童聲的音色，父親的音色深沉柔和，魔王的音色兇殘狡詐，敘事者的音色比較激情。又如，穆索爾斯基的諷刺歌曲《跳蚤之歌》中，就是用裝腔作勢、驕橫跋扈的諷刺調節出不同的音色，來刻畫出不同的音樂形象。因此要想唱出最美、最動聽的歌聲，避免歌唱中單調乏味、平淡，作為歌唱者在演唱中應該在頭腦中設計出歌唱的聲音形象，解決用什么聲音色彩、力度來表現歌曲的內容、情緒和風格。這種構思和布局設計，要求它從細致的音色的變化，對歌曲所要表達的情調和含義，給予生動的描繪，借以表達歌曲的思想感情。如果歌唱者去考慮歌曲的內容、情感和風格，而只用一種單一音色演唱，即使個人音色再好，也會顯得單調，缺乏生命力，不能真正表達出歌曲內容需要的情感，當然也就談不上藝術感染力。

四、安排好作品的總體布局

這里所說的布局就是指聲樂作品的開頭、高潮與結尾。要處理好開頭，就必須歌曲的第一句著手，要求歌唱者在前奏開始之前情緒就要進入作品的特定情感范圍、意境中去。這就要求歌唱者必須對作品內容、主題思想有較深刻的理解，進入作品的情感境界，以充沛的情感唱好第一句。如《鐵蹄下的歌女》的開頭“我們到處賣唱”，起音就應該用軟起首唱出弱拍上的“我們”二字，隨著軟咬發音后，情緒由悲憤過渡到悲憤加控訴來強調“到處賣唱”，這樣就可以將到處流浪、賣唱的歌女悲慘的境遇和憤怒的呼聲表現得淋漓盡致，使歌聲一開始就富有強烈的藝術感染力。

高潮是一首作品強弱對比最明顯、音樂形象最突出、感情最集中、樂思發展最高峰的地方，也是聲樂作品最關鍵的部位，所以必須設計唱好作品的高潮。如《松花江上》這首獨唱曲的結尾部分是全曲的高潮，也是整首歌曲情感發展的必然結果。曲詞作者張寒暉說過，他在創作此曲時是把當時北方婦女在墳上哭丈夫、哭兒子那種哭聲，變成《松花江上》的曲調的，所以在歌曲最高潮前應從情感上作好鋪墊。即從“脫離了我的家鄉……才能收回我那無盡的寶藏？”開始聲音要求平穩、內心獨白式的，情感要表現得內在而壓抑，而后隨著旋律音程的六度大跳，情緒不斷地高漲，同時在節奏、力度、呼吸等方面也都為最后高潮部分作好情緒上的準備，使呼喊“爹娘啊，什么時候才能歡聚一堂！”的激動之情終于爆發出來，使高潮的到來水到渠成。

圓滿的終止是塑造完整的藝術形象的最后部分。終止方式有“由強漸弱”、“由弱漸強”、“強到底”和“弱到底”等方式。例如《我站在鐵索橋》的最后一句“我要高聲歌唱”要始終保持慷慨激昂的情緒，讓聲音的力度一直強到最后一拍。而德沃夏克的《母親教我的歌》的終止樂句，則應由中強到弱到很弱(mf-P-PP)表現對母親的深深思念之情。歌詞結束，伴奏部分仍要繼續進行，以使傷感、思念的情感仍在延續，使聽者久久地沉浸在歌曲的意境中。

音樂是情感的藝術，著名音樂評論家李凌曾經說過:“我們永遠不要忘記，唱歌就是唱情，聲音只是一個工具。”歌唱的初衷就是“唱情”，聲音貴在以情動人，歌唱者應以自己特有的演唱風格、優美的音色和真摯的情感將作品的思想內涵表現出來，把聽眾帶入歌曲的意境中，把生動、具體的藝術形象展現在聽眾面前，才能做到以情動人，以情感人，收到演唱的預期效果。

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